| Désolation |
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L'atelier a brûlé. Il n'y a plus rien. |
| Vanité contemporaine | |||||
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Jour des encombrants, vanité ménagère. Ce que nous disent les objets. Ce que nous disent les hommes à travers leurs objets. |
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| DEADLINE | |||||
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Lundi 2 novembre, jour de la fête des morts : l'occasion est belle, trop belle
peut-être, pour évoquer cette exposition, DEADLINE, qui se tient actuellement au Musée d'art moderne de la Ville de Paris. Le propos de cette exposition est peut-être empreint de quelque
morbidité et en tout cas pourra rebuter en ce sens qu'il sera susceptible d' être perçu comme tel. Certains le penseront. Il s'agit de rendre compte d'une chose
essentielle, c'est la conscience de la mort -la conscience réelle de la mort- dans la pratique d'artistes qui savent qu'ils vont
mourir bientôt. La démarche est de tenter d'aller repérer, d'aller identifier ce qui dans les œuvres ultimes de ces artistes est en relation directe avec cette annonce de leur mort
prochaine. Cette connaissance donne-t-elle un nouveau visage, une nouvelle apparence, un nouveau contenu à leurs œuvres ? Dans l'urgence d'une mort attendue, la pratique s'accélère-t-elle,
devient-elle différente, se radicalise-t-elle ? |
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| Jörg Immendorff | |||||
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Les raisons de cette mort annoncée sont évidemment liées à la maladie et le corps en
portera, la plupart du temps, les stigmates. Le corps deviendra un fardeau, une entrave à la création et la dégénérescence un affolement total. En 1998 Jörg Immendorff apprend qu'il est
atteint d'un type de sclérose particulièrement virulent qui produit une dégénérescence progressive du système
nerveux. Il continue néanmoins à travailler et s'entoure d'assistants. Dans sa peinture filtre l'évolution de sa maladie : des corps disloqués, des réseaux internes figurant le
système nerveux, des images puisées dans l'histoire de l'art renvoyant aux peurs, aux manifestations tératologiques du monde mais également aux thèmes traditionnels des danses macabres sur
fond doré. Il va devoir procéder à un retrait progressif de son œuvre annonçant son retrait définitif du
monde. La peinture est puissante, débordante de vitalité ; une énergie inversement proportionnelle à l'indigence dont il est malheureusement la victime. Cette salle, qui est la dernière que l'on visite dans l'exposition, est somptueuse. |
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Hannah Villiger (à gauche), Willem de Kooning (à droite) |
Jörg Immendorff | ||||
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Ce corps dégradé, attaqué par la maladie peut être directement pris comme sujet. Ce sera le cas de cette photographe suisse, Hannah Villiger (ci-dessus, à gauche), qui témoignera de
l'évolution de ce corps devenu squelettique à la suite d'une forme aiguë de tuberculose. Des tissus le recouvriront partiellement ; à d'autres moment, il apparaitra de manière allusive ou
fragmentaire. Les objets photographiques sont très colorés et d'un format assez imposant. Loin du misérabilisme, en somme. |
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Robert Mapplethorpe |
Robert Mapplethorpe | ||||
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Comme Immendorff, Robert Mapplethorpe -atteint du sida- aura recours aux figures de
l'histoire de l'art. Le photographe new-yorkais, d'un classicisme extrême, fera se juxtaposer le
crâne de la vanité et l'Hermès blanc, symbole de pureté des formes et d'idéal (au delà de la mort
?). |
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Gilles Aillaud |
Chen Zhen |
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Les symboles appliqués à la représentation du passage de la vie à la mort sont
particulièrement cohérents dans l'œuvre de certains artistes comme Gilles Aillaud, par exemple, qui s'est fait connaître en peignant des animaux. Les oiseaux dans un ciel vide seront les
dernières toiles qu'il peindra, alors
frappé d'hémiplégie. On retrouvera également ces oiseaux dans un ciel d'un grand
minimalisme dans les photographies de Félix Gonzalez-Torres. Chez Chen Zhen, la représentation du corps et de sa fragilité, sous la forme d'objets
précieux, est fascinante. Le recours aux symboles liés aux matériaux (verre, albâtre) se révèle très efficace. |
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James Lee Byars, lui, va recourir à la mise en scène de sa mort annoncée dans une
performance mémorable, qui visera à
une esthétisation de cet épisode que nous partagerons tous. Le corps allongé de l'artiste dans un espace somptueux fait de feuilles d'or sera remplacé, à la fin de la performance, par cinq
diamants correspondant aux cinq points de l'homme de Vitruve dessiné par Léonard de Vinci. Un rappel à l'histoire de l'art ainsi qu'à la figure immortelle de l'Artiste en la personne de
Léonard. Une façon grandiose de conjurer la mort. Absalon aura lui aussi recours à la performance pour laisser des traces de son passage. On pourra voir et "tester" une de ses Cellules d'habitation dans l'exposition et regarder quelques vidéos le montrant à l'œuvre dans ces espaces qu'il a construits en un temps très court. |
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James Lee Byars |
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| Les choix se sont portés sur douze artistes* disparus récemment (la disparition la plus ancienne est celle de Mapplethorpe). Impossible d'exposer tous ces parcours étant bien entendu que les œuvres présentées dans l'exposition résultent d'un choix du commissaire et que ce choix, par définition, ne peut renvoyer qu'une idée parcellaire de la complexité d'une situation extrême, celle qui consiste à faire face aux derniers instants d'une vie. | |||||
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Néanmoins, certaines situations sont cocasses : celle de Willem de Kooning par
exemple qui, à la fin de sa vie, donna du fil à retordre aux experts. En effet, dans la dernière partie de son parcours De Kooning sembla perturbé, distrait, dispersé. Sa peinture, au
contraire, plus prolifique que jamais, était pour lui le moment d'une très grande concentration. Ce comportement était paradoxal. Qu'en était-il de ses facultés mentales ? Sa conscience
d'une disparition proche le travaillait-elle ? De manière évidente, une grande liberté caractérise ce moment de la création de l'artiste. |
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Willem de Kooning |
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La question de la mort a été évacuée très progressivement de nos sociétés et ceci,
sans doute, avec la disparition progressive -elle aussi- de la paysannerie. Cette situation est particulièrement flagrante en France. En effet, dans le monde rural les gens ne mouraient pas
à l'hôpital mais chez eux. Les enfants connaissaient et se rappelaient les visages des défunts. Il arrivait qu'on photographiât le corps étendu dans son berceau d'une petite sœur
ou d'un petit frère mort en bas âge. La mort a fini par nous échapper, devenir abstraite. Nous seuls, qui fréquentons régulièrement les images ou qui en fabriquons, continuons à entretenir ce rapport si particulier (mais naturel) à la mort. Car nous savons qu'en art les sujets sont peu nombreux ; au nombre de trois, peut-être : le sexe, le sacré et la mort. Il n'est donc pas arbitraire de s'intéresser aux œuvres qui précèdent ce moment si important pour des hommes et des femmes dont la vie a été consacrée à la fabrication d'images. |
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| * Absalon (1964-1993), Gilles Aillaud (1928-2005), James Lee Byars (1932-1997), Willem de Kooning (1904-1997), Felix Gonzalez Torres (1957-1996), Hans Hartung (1904-1989), Jorg Immendorff (1945-2007), Martin Kippenberger (1953-1997), Robert Mapplethorpe (1946-1989) , Joan Mitchell (1926-1992), Hannah Villiger (1951-1997), Chen Zhen (1955-2000). | |||||
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PS :La dernière salle, rien que pour ça l'exposition DEADLINE est une réussite. J'ai dû y passer la moitié du temps de ma visite. Dans une prochaine vie je
souhaite être un peintre allemand : Jörg IMMENDORFF, par exemple, pour avoir la chance qu'on se souvienne de moi grâce à ces quelques toiles ante-mortem. Ou bien Gerhard RICHTER,
ou encore Sigmar POLKE (mais ils sont encore vivants ?), au choix, m'en fous. |
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visite virtuelle (choix d'œuvres) |
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DEADLINEMusée d'Art moderne de la ville de Paris11 avenue du Président Wilson - 75116 Paris du 16 octobre 2009 au 10 janvier 2010. |
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| MAMVP | |||||
| Jim HODGES | |||||
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Jim Hodges est américain, né en 1957. Son travail, très poétique, souvent évanescent
, est d'une grande délicatesse. Une fraîcheur et beaucoup d'invention. Son médium est le dessin mais beaucoup d'autres moyens d'expression sont explorés. Les supports et la manière de les
utiliser participent à l'intérêt que l'on porte à ce travail. Les objets sont vulnérables et semblent pouvoir être détruits par le simple souffle du passage du visiteur. Les matériaux sont
de petits bouts de papier découpés ou bien au contraire, des feuilles d'or très soigneusement assemblées. Les chaînes ne sont pas faites pour fixer, pour bloquer, pour attacher,
pour entraver mais elles brillent à la lumière et forment d'élégantes toiles d'araignées. Les mouchoirs en papier n'essuient rien mais reçoivent de délicates petites fleurs de
toutes sortes, dessinées à l'encre bleue ou noire d'un stylo à bille. Et puis, également, des miroirs brisés, des partitions de musique recomposées, des sacs de papier et du maquillage. |
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Hello again -Me revoila, chaînes en laiton, épingles |
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A Diary of flowers, seen by you, serviettes papier, encre |
Changing things, fleurs artificielles |
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Tout cet ensemble séduit, émerveille. La préciosité d'un objet fait de centaines de
petits découpages méticuleux (ci-dessous) n'est pas là pour exposer le côté virtuose d'une activité banale mais cette opération faite de répétitions, de minutie renvoie à l'image d'un
quotidien lui-même fait de répétition et de minutie. |
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Where the sky fillls in, photographie découpée |
détail | ||||
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L'œuvre de Hodges étonne car on pourrait la cantonner à une pratique un peu mièvre,
fleur bleue, sans véritable force. Il n'en est rien. Et c'est là sa force : ses armes sont celles de la douceur apparente, du sentiment amoureux, de l'éloge de la délicatesse et
pourtant ses moyens sont contrastés ; il utilise à la fois la réserve, l'allusion, la fragilité, le minimalisme mais aussi le baroque, la répétition, l'accumulation, l'envahissement
de l'espace. Une œuvre discrète à découvrir. |
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Jim HODGESLove etc. Centre Georges Pompidou, Paris Musée, galerie du musée, niveau 4 14 octobre 2009-18 janvier 2010 |
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